Le choix des médiums et des techniques d’expression artistique dépend souvent des préférences et des intérêts de la personne et des objectifs de la thérapie. Par exemple, une personne qui lutte contre l’anxiété peut trouver utile de peindre avec des couleurs calmes et sourdes. Une personne qui travaille sur des sentiments de colère pourrait bénéficier d’un moyen plus physique comme la sculpture ou la danse. Il n’y a pas de corrélation prescrite entre le besoin thérapeutique et le médium artistique. Chaque individu trouvera l’approche qui lui convient le mieux et pourra même essayer une combinaison de médiums.

L’art-thérapie, tous médiums et techniques confondus, vise à permettre au client de s’exprimer librement et d’explorer ses émotions et ses pensées par le biais du processus créatif. L’accent ne doit pas être mis sur la production d’une œuvre d’art finie qui a une certaine apparence ou qui répond à des critères spécifiques. Avant d’utiliser un médium ou une technique particulière, commencez par expliquer à la personne ce qu’il est et comment il peut être utilisé pour explorer les émotions et s’exprimer par l’imagination.

Voici quelques considérations courantes lors du choix des outils et des techniques en art-thérapie :

L’accessibilité : le praticien peut tenir compte des capacités physiques du client et de ses éventuelles limitations lors du choix des médiums et des techniques. Par exemple, il peut choisir des matériaux qui sont plus faciles à tenir ou à manipuler pour le client s’il a des handicaps physiques.

Niveau de confort : le praticien peut également tenir compte du niveau de confort du client avec les différents médiums et techniques. Par exemple, il peut encourager l’utilisation de matériaux ou de techniques familiers si le client se sent plus à l’aise.

Objectifs de l’intervention : le praticien peut également tenir compte des objectifs spécifiques du client pour la thérapie lorsqu’il choisit les médiums et les techniques. Par exemple, il peut choisir des techniques plus expressives ou abstraites si le client travaille sur l’exploration de ses émotions, ou des techniques plus structurées ou réalistes si le client travaille sur des compétences de résolution de problèmes.

Certaines techniques et approches de la création artistique en art-thérapie sont communes à plusieurs médiums. Elles sont abordées ici au début de cette section et peuvent servir de référence à mesure que vous explorez les différents médiums spécifiques qui suivent. 

Voici un guide général sur la façon de créer une œuvre d’art, quel que soit le médium :

1. Choisissez un sujet ou un thème : décidez de ce que vous voulez créer. Il peut s’agir d’un paysage, d’un portrait, d’une nature morte ou d’une composition abstraite.
2. Esquissez votre composition : une fois que vous avez choisi votre sujet, esquissez votre composition sur la toile ou le papier. Cela vous donnera une idée de l’aspect de l’œuvre finale.
3. Rassemblez vos matériaux : assurez-vous d’avoir tout le matériel nécessaire, comme la peinture, les pinceaux, la toile, le papier, les crayons, le fusain, les gommes, et tout autre matériel spécifique au médium que vous choisissez.
4. Commencez par une composition de base : commencez par établir la composition de base de votre pièce, en faisant des lignes fines ou une couche de peinture fine et transparente.
5. Développez votre composition : développez votre composition en ajoutant plus de détails et en affinant vos lignes. Prêtez attention aux relations des éléments de votre œuvre et à la façon dont ils se rapportent les uns aux autres.
6. Expérimentez différentes techniques telles que les coups de pinceau, les mélanges, les superpositions et les textures, pour créer une variété d’effets.
7. Faites des pauses : la création artistique peut être intense, alors faites des pauses pour prendre du recul par rapport à votre travail et l’évaluer à distance. Cela vous aidera à voir l’œuvre avec une nouvelle perspective et à apporter les modifications nécessaires.
8. Laissez sécher l’œuvre d’art : si vous travaillez avec de la peinture ou d’autres médiums humides, laissez l’œuvre d’art sécher complètement avant d’effectuer les derniers ajustements.

Art libre : il s’agit de donner à l’individu la liberté de créer ce qu’il souhaite, sans instructions ni conseils spécifiques. Cela peut être un bon moyen de permettre à vos clients de s’exprimer librement et spontanément. Ils ont la liberté de créer ce qui leur plaît, en utilisant les matériaux et les techniques de leur choix.

Voici quelques façons de faciliter l’art libre :

1. Encouragez la personne à travailler à son propre rythme.
2. Fournissez le matériel et apportez des conseils sur la technique, mais laissez l’individu décider des matériaux qu’il veut utiliser et de la manière dont il veut les utiliser.
3. Formulez des suggestions ou proposez des thèmes si nécessaire, mais laissez l’individu créer sans instructions ou suggestions spécifiques s’il le préfère.
4. Pendant le processus, faites le point avec la personne et demandez-lui comment elle se sent et ce qu’elle exprime à travers son art.
5. Insistez sur le fait que l’accent est mis sur le processus de création.

Visualisation guidée : c’est une technique qui combine l’art-thérapie avec des pratiques de pleine conscience et de relaxation. Le praticien en art-thérapie guide le client dans une méditation ou un exercice de visualisation, au cours duquel le client est encouragé à se concentrer sur sa respiration et à laisser tomber toute pensée distrayante. La visualisation guidée peut aider le client à accéder à ses pensées et sentiments intérieurs, et peut lui fournir un moyen d’exprimer ses pensées et sentiments par le biais du processus créatif. 

Voici quelques étapes qui peuvent être utilisées pour faciliter une séance de visualisation guidée :

1. Encouragez la personne à se mettre à l’aise et à se concentrer sur sa respiration.
2. Guidez la personne à travers une série d’images mentales et de sensations, en utilisant un ton de voix calme et apaisant. Vous pouvez notamment visualiser un endroit paisible, comme une plage ou une forêt, et encourager la personne à se concentrer sur les images, les sons et les sensations de cet endroit.
3. Demandez à la personne de s’imaginer en train d’interagir avec cet endroit paisible et de se concentrer sur les émotions et les sentiments qui surgissent pendant cette visualisation.
4. Encouragez la personne à explorer ses sentiments, ses émotions et ses pensées à travers le processus de visualisation.
5. Une fois la visualisation terminée, demandez à la personne de réfléchir à son expérience et de partager les pensées ou les sentiments qui sont apparus pendant la visualisation.
6. Encouragez la personne à s’inspirer de sa visualisation pour créer une œuvre d’art.

Symbolisme : en art-thérapie, le symbolisme fait référence à l’utilisation de certains objets, images ou thèmes pour représenter autre chose, souvent à un niveau plus profond et émotionnel. Le symbolisme peut être un outil puissant en art-thérapie, car il permet au client d’exprimer ses pensées, ses sentiments et ses expériences d’une manière qui n’est pas toujours possible avec des mots.

Par exemple, un client peut utiliser une certaine couleur pour symboliser une émotion particulière, comme le rouge pour représenter la colère ou le bleu pour représenter la tristesse. Il peut également utiliser certaines formes pour représenter des idées ou des concepts spécifiques, comme des cercles pour représenter l’unité ou des triangles pour représenter la stabilité. Ou encore incorporer des symboles, tels que des animaux ou des objets, dans leur peinture pour représenter leurs pensées, leurs sentiments et leurs expériences.

Il est important de noter que la signification des symboles peut varier d’une personne à l’autre et peut être influencée par des expériences culturelles et personnelles. Le praticien en art-thérapie en tiendra compte lorsqu’il travaillera avec ses clients et les aidera à explorer l’utilisation du symbolisme dans leurs œuvres d’art.

Voici quelques étapes qui peuvent être utilisées pour guider un client à utiliser le symbolisme pour créer une œuvre d’art :

1. Encouragez l’individu à penser à ses émotions et à ses expériences, et à considérer quels symboles ou métaphores pourraient les représenter.
2. Demandez à l’individu de réfléchir aux couleurs, aux formes et aux textures qu’il utilise dans son art, et de penser à la façon dont ces éléments pourraient être liés aux symboles ou aux métaphores qu’il crée.
3. Une fois l’œuvre terminée, demandez à la personne de réfléchir à son processus et de partager les pensées ou les sentiments qui ont surgi pendant le processus de création.
4. Encouragez la personne à réfléchir à la signification des symboles ou des métaphores dans son œuvre et à la façon dont ils sont liés à ses émotions et à ses expériences.

Utilisation de la couleur : comme nous l’avons vu précédemment, le choix des couleurs peut avoir une représentation symbolique. Aider le client à faire le lien entre la couleur et sa signification personnelle peut lui apporter une compréhension profonde.

Voici quelques étapes qui peuvent être utilisées pour guider un client à utiliser la couleur pour créer une œuvre d’art :

1. Encouragez la personne à réfléchir à ses émotions et à ses expériences et à envisager les couleurs qui pourraient les représenter.
2. Encouragez l’individu à expérimenter avec différentes couleurs et à les utiliser dans son œuvre d’art pour explorer ses émotions et ses expériences.
3. Une fois l’œuvre terminée, demandez à l’individu de réfléchir à son processus et de partager les pensées ou les sentiments qui ont surgi pendant le processus de création.

Art processuel : le client commence avec une surface vierge et se met à créer sans notions ou objectifs préconçus, permettant à l’œuvre d’art d’évoluer naturellement. Dans l’art processuel, le praticien en art-thérapie peut poser des questions ou fournir des indications pour guider l’exploration du client, mais en fin de compte, l’orientation de la séance dépend du client et de ce qui lui semble le plus significatif. Le praticien en art-thérapie peut également offrir des commentaires et des réflexions sur l’œuvre d’art du client, mais l’accent est mis sur l’expérience de la création de l’œuvre d’art et sur les idées et les émotions qui émergent au cours du processus.

Il existe une différence nuancée entre l’art libre et les techniques d’art processuel. Dans l’art libre, le produit final est ouvert à l’interprétation et peut être discuté dans le contexte des émotions et des expériences de l’individu. Dans l’art processuel, l’accent est mis sur le processus de création, ainsi que sur les émotions et les pensées qui surgissent au cours du processus, plutôt que sur le produit final.

Voici quelques étapes qui peuvent être utilisées pour guider un client à utiliser la technique de l’art processuel :

1. Encouragez la personne à se concentrer sur le processus de création de l’art, plutôt que sur le produit final.
2. Encouragez l’individu à expérimenter différents matériaux et techniques, et à les utiliser de manière spontanée et intuitive.
3. Demandez à l’individu de se concentrer sur ses émotions et ses pensées pendant qu’il crée, et de laisser l’art prendre forme de façon naturelle.
4. Encouragez la personne à laisser tomber toute idée préconçue sur l’apparence de l’œuvre et à faire confiance au processus.
5. Une fois l’œuvre terminée, demandez à la personne de réfléchir à son processus et de partager les pensées ou les sentiments qui ont surgi pendant la création.
6. Rappelez à la personne que le but est d’explorer les émotions et les pensées à travers le processus de création et non de créer un résultat spécifique ou une image parfaite.

Création artistique tout en écoutant de la musique : créer de l’art tout en écoutant de la musique en art-thérapie peut être utilisé pour puiser dans les émotions et l’inconscient de la personne, car la musique peut aider à faciliter l’expression de sentiments et de pensées plus profonds. La musique peut également contribuer à créer une atmosphère relaxante et méditative, ce qui peut être bénéfique au processus thérapeutique.

Voici quelques étapes qui peuvent être utilisées pour guider un client vers la création d’art tout en écoutant de la musique :

1. Présentez le concept de création artistique sur la musique comme un outil thérapeutique.
2. Faites jouer une sélection de musique parmi laquelle le client pourra choisir.
3. Permettez au client de choisir un morceau de musique qui résonne en lui.
4. Encouragez le client à fermer les yeux et à écouter la musique pendant qu’il travaille sur son œuvre d’art.
5. Encouragez le client à laisser sa main se déplacer sur le support d’une manière naturelle.
6. Posez des questions ouvertes pour aider le client à explorer ses émotions et ses pensées.
7. Discutez de l’œuvre d’art achevée et examinez les idées qui ont pu se manifester au cours du processus.

L’utilisation de la musique en art-thérapie présente de nombreux avantages. Elle peut aider les individus à exprimer et à traiter leurs émotions d’une manière saine et créative, et elle peut également contribuer à accroître la conscience de soi et l’autorégulation. En outre, il peut s’agir d’une activité amusante et agréable qui peut contribuer à réduire le stress et à améliorer le bien-être général.

Créer de l’art à partir de son imagination : cette activité consiste à demander à la personne de créer quelque chose à partir de son imagination, comme un personnage ou une scène. Cela peut être un bon moyen d’encourager la créativité et l’expression de soi.

Discutez du concept de création artistique à partir de l’imagination avec le client.

1. Encouragez le client à faire le vide dans son esprit et à se concentrer sur sa respiration pour l’aider à entrer dans un état détendu et réceptif.
2. Fournissez au client une variété de matériel artistique avec lequel il pourra travailler.
3. Encouragez le client à commencer par esquisser des idées brutes pour son œuvre, en utilisant des formes et des lignes simples pour construire la composition de base.
4. Encouragez le client à laisser son imagination le guider lorsqu’il ajoute des détails, des couleurs et des textures à son œuvre.
5. Soutenez et encouragez le client lorsqu’il expérimente différentes techniques et matériaux.
6. Posez des questions ouvertes pour aider le client à explorer ses émotions et ses pensées.
7. Une fois que le client a terminé son œuvre, encouragez-le à réfléchir au processus et à toutes les émotions ou idées qui ont émergé pendant la session.

Plusieurs des techniques abordées ci-dessus et ci-dessous peuvent être utilisées en combinaison les unes avec les autres pour ajouter plus de profondeur et de texture à une œuvre d’art. Encouragez l’expérimentation pour découvrir ce qui convient au client et comment les techniques peuvent être combinées.

Ce qu’il faut retenir : 

• L’art-thérapie peut être pratiquée à travers une variété de médiums, tels que la peinture, le dessin, la sculpture et le collage. Chaque médium offre une variété de supports et cette même variété fait appel à plusieurs expressions créatives possibles.
• La plupart des médiums peuvent être utilisés dans le cadre d’une thérapie individuelle ou de groupe et peuvent être bénéfiques pour les personnes de tous âges et de milieux différents. Dans certaines situations, des compétences, des connaissances et des soins spécialisés sont nécessaires et peuvent ne pas convenir à certaines personnes.
• Une fois l’œuvre d’art terminée, le praticien peut aider le client à en explorer le sens et la signification.
• L’art-thérapie fait appel à diverses techniques et approches qui peuvent être appliquées à de multiples supports.
• Le guide général de la création artistique comprend le choix d’un sujet ou d’un thème, l’esquisse, la sélection du matériel, la création d’une composition de base, le développement de la composition, l’expérimentation de techniques, des pauses et le séchage de l’œuvre d’art.
• L’art libre permet aux individus de créer sans instructions ou conseils spécifiques.
• La visualisation guidée associe l’art-thérapie à des pratiques de pleine conscience et de relaxation, et peut aider les individus à accéder à leurs pensées et sentiments intérieurs.
• Le symbolisme peut être un outil puissant en art-thérapie, permettant aux clients d’exprimer leurs pensées, leurs sentiments et leurs expériences d’une manière qui n’est pas toujours possible avec des mots.
• La signification des symboles peut varier d’une personne à l’autre et peut être influencée par des expériences culturelles et personnelles.
• Encourager l’utilisation de la couleur peut aider les clients à relier la couleur à leur signification personnelle et leur permettre d’avoir une vision profonde.
• Les praticiens de l’art-thérapie peuvent guider les clients tout au long du processus de création, encourager la réflexion et adapter les techniques en fonction des besoins et des préférences de l’individu.

Exercice : Dessin de forme libre

Cet exercice vous donnera l’occasion de vous essayer au dessin de forme libre. Vous aurez ainsi une première expérience de l’expression libre de manière complète.

Matériel nécessaire :

• Une feuille de papier vierge
• Des crayons de couleur, des feutres ou de la peinture

Instructions :

• Commencez par aménager votre espace de travail. Trouvez un endroit confortable où vous pouvez vous asseoir et avoir accès à votre matériel artistique. Assurez-vous d’avoir une surface dégagée pour travailler.
• Respirez profondément pour vous recentrer et concentrer votre attention sur le moment présent.
• Commencez à dessiner sur le papier en utilisant les couleurs et le médium de votre choix. Ne vous souciez pas de faire des erreurs ou de créer une image spécifique. Au contraire, laissez votre main bouger librement et laissez-vous guider par votre intuition.
• Continuez à dessiner jusqu’à ce que vous soyez satisfait de votre création ou jusqu’à ce que vous n’ayez plus de place sur le papier.
• Prenez quelques instants pour réfléchir à votre œuvre. Quelles émotions, pensées ou souvenirs évoque-t-elle ? Y a-t-il une couleur ou un symbole particulier qui vous interpelle ?
• Enfin, prenez le temps d’apprécier votre œuvre et le processus de création. Rappelez-vous que le but de cet exercice n’est pas de créer une œuvre d’art parfaite, mais de vous exprimer librement et de vous connecter à vos pensées et sentiments intérieurs par le biais de l’art.

La peinture

La peinture est peut-être le médium le plus courant en art-thérapie et c’est probablement la première chose qui vient à l’esprit quand vous pensez à l’art. La peinture peut impliquer la création d’images en utilisant une variété de peintures telles que l’aquarelle, l’acrylique ou la peinture à l’huile. La peinture peut être un outil efficace pour aborder un large éventail de problèmes de santé mentale, comme l’anxiété, la dépression, les traumatismes et la toxicomanie. Elle peut également être utilisée pour favoriser la relaxation et le soulagement du stress, renforcer la conscience de soi, améliorer les compétences cognitives et motrices, ainsi que les compétences sociales et les relations. L’art-thérapie par la peinture peut être menée dans le cadre d’une thérapie individuelle ou de groupe et peut être utile pour tous les âges et tous les milieux.

Pour chaque médium ci-dessous, utilisez ces directives générales sur la façon de créer une œuvre d’art en utilisant différents types de peinture : 

• Utilisez une peinture de bonne qualité : investissez dans une peinture de bonne qualité, car elle sera plus pigmentée et aura une meilleure consistance.
• Utilisez une palette : mélangez votre peinture sur une palette et gardez-la propre pour éviter le mélange des couleurs.
• Préparez votre surface : si vous utilisez une toile, assurez-vous qu’elle prête à être peinte. Si vous utilisez du papier, choisissez un papier épais qui peut supporter le poids de la peinture.
• Commencez par appliquer une couche fine et transparente : commencez par appliquer une couche fine et transparente de peinture sur votre toile ou votre papier. Cela vous aidera à établir les tons de votre composition.
• Expérimentez différentes techniques telles que la superposition des couches, le glacis et les textures, pour créer des effets variés.
• Constituez des couches : multipliez progressivement les couches de peinture, en utilisant une peinture plus épaisse et plus opaque au fur et à mesure que vous progressez. Cela créera de la profondeur et ajoutera de la texture à votre peinture.
• Utilisez une variété de coups de pinceau : expérimentez différents coups de pinceau, tels que des coups courts et hachés, de longs coups de balai et des hachures croisées, pour créer une variété de textures et d’effets.
• Ajoutez des détails : une fois la composition générale établie, ajoutez des détails et affinez votre peinture.
• Faites des pauses : la peinture peut être intense, alors faites des pauses pour prendre du recul par rapport à votre travail et l’évaluer de loin. Cela vous aidera à voir la peinture avec une nouvelle perspective et à apporter les modifications nécessaires.
• Laissez sécher la peinture : avant d’effectuer les derniers ajustements, laissez la peinture sécher complètement.

Médiums

Les peintures peuvent se présenter sous diverses formes. En voici quelques-unes :

La peinture acrylique:

Cette peinture est composée de pigments en suspension dans une émulsion de polymère acrylique. Elle peut être diluée avec de l’eau et est facile à nettoyer. La peinture acrylique sèche rapidement, ce qui en fait une bonne option pour les clients qui aiment travailler rapidement et de manière impulsive. La peinture acrylique peut être utilisée pour une variété de techniques telles que la superposition, le mélange et l’empâtement (coups de pinceau épais et texturés).

Elle peut être utilisée comme couche de base pour les projets artistiques mixtes, et peut également être utilisée pour créer une surface texturée sur laquelle d’autres médiums peuvent adhérer. C’est un choix approprié pour la peinture murale à grande échelle, elle peut être diluée avec de l’eau pour créer un effet de lavis et peut être utilisée en conjonction avec d’autres types de peinture. La peinture acrylique peut également être utilisée comme support pour créer un collage, pour peindre du papier ou d’autres matériaux qui seront utilisés dans le collage. La peinture acrylique est plus durable que la tempera et elle résiste à la lumière et à l’humidité. Cependant, il est important de noter que la peinture acrylique n’est pas aussi flexible que la peinture à l’huile et qu’elle peut se fissurer si elle est appliquée trop épaisse.

Voici quelques conseils pour travailler avec la peinture acrylique :

1. La peinture acrylique sèche plus rapidement que la peinture à l’huile ou l’aquarelle, vous devrez donc travailler rapidement et être prêt à prendre des décisions rapidement.
2. La peinture acrylique peut être mélangée avec de l’eau ou des médiums pour créer une variété d’effets et pour étendre la peinture. Vous pouvez également mélanger différentes couleurs ensemble pour créer de nouvelles couleurs.
3. Utilisez un couteau à palette pour mélanger la peinture et pour créer des effets de texture.
4. La peinture acrylique peut être appliquée en plusieurs couches, ce qui est utile pour créer de la profondeur et de la texture.
5. Expérimentez différentes techniques, telles que l’empâtement, le glacis et la superposition, pour créer une variété d’effets.
6. La peinture acrylique peut avoir tendance à s’effriter ou à s’écailler, vous pouvez donc utiliser un spray fixateur pour fixer la peinture en place.
7. La peinture acrylique est soluble dans l’eau lorsqu’elle est mouillée, mais une fois sèche, elle est difficile à enlever. Nettoyez vos outils et votre zone de travail avant que la peinture ne sèche pour éviter tout désordre indésirable.

Peinture à l’huile:

Il s’agit d’une peinture faite de pigments en suspension dans l’huile. Elle peut être diluée avec des solvants et a un temps de séchage plus long que la peinture acrylique. La peinture à l’huile est un médium à séchage lent, ce qui permet de réaliser davantage de mélanges et de superpositions. Elle peut également être utilisée pour créer un style de peinture plus traditionnel et réaliste. La peinture à l’huile convient également aux clients qui souhaitent travailler sur une peinture pendant une période prolongée.

La peinture à l’huile peut être appliquée sur une variété de surfaces, comme la toile ou le papier, à l’aide de pinceaux, de couteaux à palette ou même des doigts. Comme il s’agit d’un médium à séchage lent, vous pouvez apporter des modifications à l’œuvre au fil du temps, ce qui permet une plus grande flexibilité pour le mélange et la superposition des couleurs.

Pour travailler avec la peinture à l’huile, diluez votre peinture. La peinture à l’huile est épaisse et peut être difficile à travailler. Pour la rendre plus facile à appliquer, vous pouvez la diluer avec un solvant tel que l’essence minérale ou la térébenthine.

Aquarelle:

Il s’agit d’une peinture transparente faite de pigments en suspension dans l’eau. Elle peut être diluée avec de l’eau. L’aquarelle permet de créer un effet délicat et aérien. Elle peut être utilisée pour une variété de techniques telles que le mouillé sur mouillé et la superposition.

Elle peut être une alternative utile à la peinture à l’huile car elle est facile à nettoyer. La peinture à l’aquarelle peut être appliquée sur du papier à l’aide d’un pinceau et d’eau, et peut créer un large éventail d’effets selon la quantité d’eau utilisée et la superposition des couleurs.

Voici quelques conseils pour travailler avec des aquarelles :

1. Expérimentez différentes techniques comme le mouillé sur mouillé, le mouillé sur sec et la superposition, pour créer une variété d’effets.
2. Utilisez une palette de couleurs limitée : les aquarelles peuvent être transparentes, il peut donc être judicieux d’utiliser une palette de couleurs limitée pour créer une composition cohérente.
3. Peignez du clair au foncé : il est préférable de peindre du clair au foncé pour créer de la profondeur et du contraste dans l’œuvre finale. Il est difficile d’éclaircir une couleur foncée.
4. Utilisez un fixateur : les aquarelles peuvent être sujettes aux bavures, vous pouvez donc utiliser un spray fixateur pour fixer la peinture.

Gouache:

Il s’agit d’une peinture opaque fabriquée à partir de pigments en suspension dans l’eau et d’un agent liant. Elle est similaire à l’aquarelle, en ce sens qu’elle est soluble dans l’eau, mais elle est plus mate et opaque et a une consistance plus épaisse, ce qui permet d’obtenir des couleurs plus vibrantes et audacieuses. Elle peut également être utilisée pour créer un style de peinture plus réaliste.

La gouache est un médium à séchage rapide qui permet au client de prendre des décisions plus rapides dans ses œuvres d’art car il n’est pas nécessaire d’attendre longtemps pour ajouter des couches. Elle peut être appliquée sur une variété de surfaces, comme le papier ou la toile. C’est également un médium plus opaque que l’aquarelle, ce qui peut être utile pour les clients qui veulent créer des œuvres d’art plus détaillées et définies.

Voici quelques conseils pour travailler avec la gouache :

1. Expérimentez différentes techniques telles que la superposition ou le glacis pour créer une variété d’effets.
2. Peignez couche après couche : la gouache est opaque, vous pouvez donc peindre en couches pour créer de la profondeur et de la texture.
3. Utilisez un fixateur : la gouache peut avoir tendance à s’étaler, vous pouvez donc utiliser un spray fixateur pour fixer la peinture en place.

Tempera:

Il s’agit d’une peinture faite de pigments en suspension dans un liant soluble dans l’eau, comme le jaune d’œuf. Elle a une finition mate et sèche rapidement. C’est un choix populaire pour l’art-thérapie avec les enfants car elle est non toxique et facile à nettoyer. Elle peut être utilisée pour une variété de techniques telles que la superposition, le mélange et l’empâtement. Elle convient bien aux clients qui veulent travailler rapidement et de façon impulsive, car il n’est pas nécessaire d’attendre longtemps pour ajouter des couches. 

La peinture tempera peut également être utilisée comme couche de base pour les projets artistiques mixtes, la peinture murale à grande échelle et le collage. Cependant, il est important de noter que la peinture tempera n’est pas aussi durable que la peinture à l’huile ou la peinture acrylique et qu’elle peut être affectée par la lumière et l’humidité, il est préférable de l’utiliser pour des projets éphémères ou en intérieur.

Voici quelques conseils pour travailler avec la tempera :

1. Mélangez la peinture : la peinture tempera peut être épaisse, alors mélangez la peinture avec de l’eau pour obtenir la consistance souhaitée.
2. Peignez en couches fines : la tempera sèche rapidement, il est donc préférable de peindre en couches fines pour éviter les craquelures.
3. Utilisez un fixateur : La tempera peut être sujette aux bavures, vous pouvez donc utiliser un fixateur en spray pour fixer la peinture.

Pastel:

Il s’agit d’une peinture sèche faite de pigments mélangés à un liant, comme la craie ou l’argile. Elle se présente sous forme de bâtonnets et peut être utilisée pour créer un effet doux et délicat. Ils peuvent également être utilisés pour une variété de techniques telles que le mélange, la superposition et l’empâtement. Les pastels peuvent être utilisés sur une variété de surfaces telles que le papier, le carton ou la toile.

La peinture au pastel est un médium opaque qui permet de créer des couleurs vives et audacieuses. Elle permet également de créer un sentiment de profondeur et de texture dans une œuvre d’art. La peinture pastel peut être mélangée et superposée pour créer un large éventail d’effets, elle peut être appliquée à sec ou avec un fixateur pour créer différentes textures. Il est facile de contrôler l’intensité de la couleur et elle peut être mélangée à d’autres médiums. La peinture pastel peut être une bonne alternative pour les artistes qui préfèrent un médium sec et veulent créer plus de texture dans leurs peintures.

Les peintures et dessins au pastel sont particulièrement sensibles aux tâches et à la décoloration car les pigments ne sont pas aussi fermement liés à la surface que dans d’autres types de peintures. Le fixateur peut aider à préserver l’intégrité de ces dessins en maintenant les marques en place et en empêchant les bavures.

Voici quelques conseils pour travailler avec le pastel :

1. Utilisez une variété de pastels pour créer différents effets. Par exemple, les pastels durs peuvent être utilisés pour les détails fins, tandis que les pastels doux peuvent être utilisés pour les grandes surfaces de couleur.
2. Peignez couche après couche : les pastels peuvent être superposés pour créer de la profondeur et de la texture.
3. Utilisez un spray fixateur : les pastels peuvent avoir tendance à s’étaler, vous pouvez donc utiliser un spray fixateur pour fixer le pastel en place.

Techniques

Les techniques de peinture comprennent les éléments suivants :

Le travail au pinceau:

Cette technique consiste à utiliser un pinceau pour appliquer la peinture sur la toile ou la surface. Il existe de nombreux types de pinceaux différents, tels que les pinceaux ronds, plats, en éventail et filbert, chacun ayant ses propres caractéristiques uniques. Le travail au pinceau peut être utilisé pour créer un large éventail d’effets, des détails fins aux traits audacieux et expressifs.

Couteau à palette:
Un couteau à palette peut être utilisé pour appliquer la peinture dans un style épais et empâté. Le couteau peut être utilisé pour créer des surfaces texturées, et pour mélanger et estomper les couleurs sur la palette.

Peinture au doigt :

C’est une technique où l’artiste applique la peinture sur la toile ou la surface en utilisant ses doigts, plutôt qu’un pinceau. Cette technique peut créer un aspect plus naturel et spontané.

Éclaboussures:

Cette technique consiste à projeter ou à éclabousser de la peinture sur la toile pour créer un effet aléatoire et texturé. Cette technique peut être réalisée à l’aide d’un pinceau, d’un couteau à palette ou même de brosses à dents.

Mouillé sur mouillé:

La technique humide ou « mouillé sur mouillé » est une technique de peinture dans laquelle la peinture est appliquée sur une surface humide. Cela permet aux couleurs de se fondre et de se mélanger, créant un effet plus doux et plus fondu. Cette technique est souvent utilisée pour les paysages et d’autres types de peintures où le mélange et la douceur sont souhaités. La technique « mouillé sur mouillé » convient mieux à l’aquarelle et à la gouache. Elle peut être utilisée avec la peinture à l’huile et l’acrylique mais est un peu plus difficile car ces médiums peuvent former une « peau » rendant l’estompement difficile.

Mouillé sur sec:
Il s’agit d’une technique de peinture dans laquelle la peinture est appliquée sur une surface sèche. Cela crée des coups de pinceau plus définis et un effet plus texturé. Cette technique est souvent utilisée pour les portraits et d’autres types de peintures où les détails et la texture sont souhaités. Fonctionne bien avec les huiles et les acryliques.

Le glacis:

C’est une technique qui consiste à appliquer une couche fine et transparente de peinture sur une couche existante. Cette technique peut être utilisée pour créer de la profondeur et de la luminosité, et pour modifier la couleur d’une couche existante.

Impressionnisme:

C’est un style de peinture qui met l’accent sur l’utilisation de petits coups de pinceau visibles, pour capturer l’impression de lumière et de mouvement. Cette technique peut être utilisée pour créer un sentiment de profondeur et d’atmosphère.

L’expressionnisme abstrait:

Il s’agit d’un style de peinture qui met l’accent sur la création spontanée, automatique ou subconsciente d’une composition. Il implique généralement l’utilisation de grandes toiles, de coups de pinceau gestuels (transmettant le mouvement, l’énergie et l’émotion) et l’application de la peinture d’une manière très intuitive et physique.

La stratification:

Différentes couleurs sont appliquées les unes sur les autres pour créer de la profondeur, de la texture et peuvent être utilisées pour créer l’illusion d’ombres ou pour ajouter de la texture à un objet.

Impasto:

l’artiste applique des couches épaisses de peinture sur la toile, souvent à l’aide d’un couteau à palette ou d’un autre outil pour créer de la texture et de la profondeur. La peinture est appliquée en couches si épaisses que les coups de pinceau ou les marques de couteau à palette sont visibles dans l’œuvre terminée. Cette technique est souvent utilisée pour créer un sentiment de mouvement ou pour ajouter un effet dramatique à une peinture.

Ce qu’il faut retenir : 

• L’art-thérapie par la peinture implique l’utilisation d’une variété de peintures, telles que l’aquarelle, l’acrylique, l’huile, la gouache, la tempera et le pastel, pour créer des images comme moyen d’explorer et de traiter les émotions, les pensées et les expériences.
• Le travail au pinceau : application de la peinture sur une surface à l’aide d’un pinceau pour créer divers effets.
• Couteau à palette : utilisation d’un couteau à palette pour appliquer de la peinture de manière épaisse et texturée.
• Peinture au doigt : appliquer de la peinture avec les doigts pour créer un effet naturel et spontané.
• Éclaboussures : faire gicler ou éclabousser de la peinture sur une surface pour obtenir un effet aléatoire et texturé.
• Peinture mouillée sur mouillée : appliquer de la peinture sur une surface mouillée pour créer un effet plus doux et plus fondu.
• Mouillé sur sec : application de la peinture sur une surface sèche pour obtenir des coups de pinceau définis et un effet texturé.
• Glacis : application d’une fine couche de peinture transparente sur une couche existante pour créer de la profondeur et de la luminosité.
• Impressionnisme et expressionnisme abstrait : styles de peinture mettant l’accent sur les coups de pinceau visibles et la création de mouvements et d’émotions dans une composition.

Exercices – La peinture en art-thérapie

Matériel nécessaire :

• Toile ou papier
• Peintures acrylique, à l’huile ou à l’aquarelle
• Pinceaux
• Palette ou assiettes en papier pour mélanger la peinture
• Gobelet d’eau

Exercice 1 : Exploration des couleurs

1. Préparez une palette avec plusieurs couleurs de peinture.
2. Passez un peu de temps à explorer les différentes couleurs et à les mélanger pour créer de nouvelles nuances.
3. Pendant que vous travaillez, réfléchissez aux émotions ou aux associations que chaque couleur vous évoque.
4. Utilisez les couleurs pour créer une composition abstraite (littéralement, libérez votre esprit) sur la toile ou le papier.
5. Comment votre choix de couleurs reflète-t-il vos préférences, vos goûts, vos problèmes, vos humeurs ? 
6. Pouvez-vous discerner un lien entre vos pensées et vos sentiments et ce que vous avez créé ?

Exercice 2 : Peindre en musique 

1. Choisissez un morceau de musique qui a une forte signification émotionnelle ou personnelle pour vous.
2. Tout en écoutant la musique, utilisez la peinture et les pinceaux pour créer une représentation visuelle des sentiments et des pensées que la musique évoque.
3. Laissez-vous aller à la spontanéité et à l’intuition, plutôt que de vous concentrer sur la création d’une image ou d’une représentation spécifique.
4. Comment la musique se manifeste-t-elle dans votre expression artistique ?
5. Pouvez-vous discerner des formes, des couleurs, des coups de pinceau qui reflètent le flux de la musique : mélodie, drame, passion ?

Dessin

 Le dessin est un médium couramment utilisé en art-thérapie, car il est beaucoup plus accessible que les autres médiums. En effet, il ne nécessite qu’un simple outil de marquage et une feuille de papier.

Il existe de nombreuses approches différentes pour utiliser le dessin en art-thérapie, et les techniques et approches spécifiques utilisées peuvent dépendre des objectifs et des besoins de l’individu ou du groupe. 

Pour chaque médium ci-dessous, utilisez ces directives générales pour dessiner une oeuvre d’art :

• Expérimentez différents instruments de dessin tels que les crayons, le fusain, les stylos et les feutres.
• Commencez par dessiner des formes de base telles que des cercles, des carrés et des triangles.
• Une fois que la personne est à l’aise avec les formes de base, passez à des dessins plus détaillés, comme des natures mortes ou des paysages.
• Expérimentez différentes techniques, telles que les hachures, les hachures croisées et les pointillés (voir ci-dessous pour les techniques).
• Encouragez la réflexion : incitez la personne à réfléchir sur ses dessins et aux émotions qu’elle a pu ressentir en les créant.

Médiums

Il existe de nombreux médiums différents qui peuvent être utilisés en dessin, notamment :

Le crayon :

il existe de nombreux types de crayons différents, chacun ayant ses propres caractéristiques. Par exemple, les crayons graphite vont du 6B (le plus tendre) au 6H (le plus dur). Les crayons plus doux, tels que 2B ou 4B, créeront des lignes plus sombres et plus intenses, tandis que les crayons plus durs, tels que 4H ou 6H, créeront des lignes plus claires et plus délicates.

Voici quelques conseils pour créer une œuvre d’art en dessinant avec des crayons :

1. Utilisez une variété de crayons pour créer différents effets. Par exemple, utilisez un crayon dur pour créer des lignes et des détails clairs, et un crayon doux pour créer des zones sombres et des ombres.
2. Utilisez différentes pressions lorsque vous dessinez. Une pression légère créera une ligne claire, tandis qu’une pression forte créera une ligne plus sombre.
3. Essayez de dessiner différents traits pour créer différentes textures et effets. Par exemple, faites des traits courts et hachés pour créer une texture rugueuse.
4. Utilisez une gomme pour corriger les erreurs ou pour créer des reflets et de la texture.

Fusain:

Il existe plusieurs types de charbon de bois, chacun ayant ses propres caractéristiques. Le fusain est un type de charbon de bois qui est comprimé sous forme de bâtonnet et peut être aiguisé en une pointe fine pour un travail détaillé ou utilisé en larges traits pour l’ombrage. Le charbon de bois de vigne est fabriqué à partir de branches de saule brûlées ou d’autres types de bois et possède une texture délicate, idéale pour les esquisses et la création de lignes légères. Les crayons fusain sont faciles à manipuler et à contrôler et peuvent être taillés comme un crayon ordinaire. Le charbon de bois est fabriqué à partir de la combustion du bois ou d’autres matériaux organiques. Il est intense et idéal pour créer des lignes sombres et des ombres. Le charbon blanc est fabriqué à partir de la combustion de branches de saule et d’autres bois dans un four à des températures très élevées, c’est un charbon de couleur blanche qui peut être utilisé pour les surbrillances et les détails sur du papier sombre. Le charbon de bois fonctionne mieux sur du papier épais ou du papier à dessin.

Voici quelques conseils pour créer une œuvre d’art en dessinant au fusain :

1. Utilisez différents types de fusain et expérimentez avec des lignes claires et sombres, des ombres et des textures.
2. Le charbon de bois est un médium salissant et peut s’étaler facilement. Pour éviter cela, utilisez un spray fixateur pour fixer le fusain en place.
3. Utilisez un outil d’estompe, comme une gomme, une souche d’estompe ou votre doigt, pour estomper le fusain et créer des transitions douces.
4. Additionnez progressivement les couches de fusain, en utilisant une variété de bâtonnets de fusain pour créer de la profondeur et de la texture dans votre dessin.

Notez quelques différences entre le crayon et le fusain :

• Les matériaux : le fusain est fabriqué à partir de poussière de charbon de bois compressée et est disponible sous forme de bâtonnets ou de crayons. Les crayons, quant à eux, sont fabriqués à partir de graphite encastré dans du bois.
• Gamme de valeurs : le charbon de bois a une gamme de valeurs plus large, ce qui signifie qu’il peut créer une plus grande gamme de tons allant du clair au foncé. Les crayons, en revanche, ont une gamme de valeurs plus limitée et sont mieux adaptés à la création de dégradés subtils de tons.
• Textures : le fusain peut créer un large éventail de textures, des lignes fines aux zones floues et bavardes. Les crayons, en revanche, sont mieux adaptés à la création de lignes fines et détaillées.
• Corrections : le fusain peut être effacé en frottant légèrement avec une gomme mie de pain, mais cela peut laisser des tâches et il est souvent difficile de se débarrasser de la totalité du fusain. Les crayons peuvent être effacés facilement avec une gomme ordinaire, mais il n’est pas possible de les estomper à nouveau après les avoir effacés.
• Tâches : le charbon de bois peut être salissant et s’étaler facilement, ce n’est donc pas une bonne idée de l’utiliser sur les vêtements ou les meubles. Les crayons, en revanche, sont relativement propres et faciles à utiliser.
• Support : le fusain s’utilise de préférence sur du papier suffisamment épais pour contenir le fusain et ne pas s’abîmer. Les crayons, quant à eux, peuvent être utilisés sur une variété de surfaces.
• Le fusain est un médium qui convient mieux à la création de dessins audacieux et expressifs avec une large gamme de valeurs et de textures, tandis que les crayons conviennent mieux à la création de dessins fins et détaillés avec de subtiles gradations de tons.

Pastel:

Voir la section Peinture ci-dessus pour plus de détails sur les pastels.

Notez quelques différences dans l’utilisation des pastels pour la peinture ou le dessin :

• L’application : les pastels peuvent être superposés pour créer de la profondeur et de la luminosité : c’est une caractéristique des peintures au pastel. Les dessins au pastel comportent moins de couches, et le médium est appliqué plus précisément, avec plus de contrôle et des représentations plus précises.
• Finition : les peintures au pastel ont une finition plus douce et plus aérienne que les peintures à l’huile ou acryliques, car les particules de pigments sont en vrac sur la surface. Les dessins au pastel ont tendance à avoir un aspect plus fini, car le médium est appliqué avec plus de précision.
• Durabilité : les peintures au pastel sont plus délicates que les peintures à l’huile ou acryliques, car elles sont plus susceptibles de s’abîmer, de s’estomper ou de s’user avec le temps. Les dessins au pastel sont moins délicats, car le médium est appliqué de manière plus contrôlée et précise.
• En résumé, les pastels sont un médium polyvalent qui peut être utilisé à la fois pour la peinture et le dessin, avec des techniques et des effets différents. Alors que les peintures au pastel se caractérisent par leurs couches et leur luminosité, les dessins au pastel ont un aspect plus fini et sont plus précis.

L’encre :

Il s’agit d’une peinture liquide faite de pigments en suspension dans un liquide, comme l’eau ou l’huile. On retrouve l’encre notamment dans les stylos et les feutres. 

L’encre peut être un médium utile pour l’art-thérapie en raison de sa polyvalence et de sa capacité à créer des lignes audacieuses et expressives. Elle peut être utilisée dans le cadre d’une variété de techniques, comme la calligraphie ou le dessin. Les mouvements répétitifs de la calligraphie ou du dessin peuvent être méditatifs et apaisants.

Voici quelques conseils pour dessiner à l’encre :

• Essayez différents stylos, feutres et autres instruments faits d’encre et expérimentez différentes largeurs de trait et textures. L’encre peut être un médium difficile en raison de son débit, de son séchage rapide et de sa permanence.
• Lorsque vous dessinez à l’encre, il est préférable de commencer par des lignes claires et de passer ensuite à des lignes plus sombres. Cela permet un meilleur contrôle et facilite la correction des erreurs. Vous pouvez rendre l’encre plus foncée mais pas plus claire.
• D’autre part, l’encre est un médium transparent, les premières lignes peuvent donc transparaître dans une certaine mesure. En fonction de ce que vous créez et du type et de la couleur de la surface, il peut être préférable de travailler du plus foncé au plus clair. Cette transparence et les effets d’ombre et de lumière peuvent créer de la profondeur et du contraste ; amusez-vous à essayer différentes techniques.
• Avant de dessiner à l’encre, il est utile de faire une esquisse au crayon de votre dessin. Cela vous donnera un guide à suivre et il sera plus facile de corriger les erreurs avant de passer à l’encre.
• Les règles et les compas sont des outils utiles pour dessiner à l’encre, car ils vous permettent de créer des lignes droites et des cercles avec précision.
• L’utilisation d’une palette de couleurs limitée peut vous aider à vous concentrer sur la composition et l’aspect général de votre œuvre.
• Soyez attentif à la façon dont l’encre s’écoule de l’instrument et à la façon dont elle réagit à la surface sur laquelle vous travaillez.

Techniques

Voici quelques techniques de dessin courantes utilisées en art-thérapie :

Techniques pour travailler le crayon :

Hachures:

C’est une technique qui consiste à tracer des lignes parallèles rapprochées pour créer une impression de profondeur et de texture. Elle peut être utilisée pour créer l’illusion d’ombres ou pour ajouter de la texture à un objet.

Hachures croisées:
Les hachures croisées sont une technique où deux séries de lignes parallèles sont tracées à angle droit l’une par rapport à l’autre. Cette technique peut être utilisée pour créer un sentiment de profondeur et de texture, et peut également être utilisée pour créer l’illusion d’ombres ou pour ajouter de la texture à un objet.

Pointillés:
Stippling is C’est une technique où de petits points sont formés pour créer de la texture ou pour donner l’illusion de la profondeur. Elle est souvent utilisée pour créer l’illusion de la texture sur une surface lisse.

Techniques pour travailler le fusain :

Estompage:
 
L’estompage est une technique où le fusain est étalé ou estompé à l’aide des doigts ou d’un outil d’estompe tel qu’un bâton d’estompe ou une estompe de papier. Cette technique peut être utilisée pour adoucir les lignes et créer une sensation de profondeur et de texture.

Mélange:
C’est une technique où deux ou plusieurs couleurs de fusain sont mélangées pour créer une nouvelle couleur. Cette technique peut être utilisée pour créer un sentiment de profondeur et de texture, et peut également être utilisée pour créer l’illusion d’ombres ou pour ajouter de la texture à un objet.

Correction:
la correction est une technique qui consiste à enlever le fusain d’une certaine zone à l’aide d’une gomme, comme une gomme mie de pain. Cette technique peut être utilisée pour créer des reflets ou pour corriger des erreurs. Gardez à l’esprit que l’effacement du fusain peut être difficile et qu’il peut laisser des bavures.

Estomper:

Cela peut se faire avec le côté du bâton de fusain ou avec du charbon de bois en poudre.

Techniques pour travailler le pastel :

Le mélange et l’estompage:
As detailed above can both be used with pastels.

Superposition :
Différentes couleurs de pastels sont appliquées les unes sur les autres pour créer de la profondeur, de la texture et de la luminosité qui peuvent être utilisées pour créer l’illusion d’ombres ou pour ajouter de la texture à un objet.

Estomper:

Le bâton de pastel est légèrement traîné sur la surface, créant un effet de texture et de cassure. Cette technique est souvent utilisée pour créer l’illusion de la texture ou pour ajouter de la profondeur à une peinture ou un dessin.

Cette technique est généralement effectuée avec le côté du bâton de pastel et la pression est maintenue légère afin de créer une fine couche de pastel transparente. Elle peut également être réalisée avec le doigt, un bâton de mélange ou une estompe. La technique peut être répétée pour renforcer la texture et la couleur.

Cette technique peut être utilisée pour créer un large éventail d’effets, des fonds doux et aériens aux zones plus texturées et empâtées. Elle peut être utilisée pour créer un sentiment de profondeur et de distance, ou pour ajouter de l’intérêt et du mouvement à une peinture ou à un dessin. Cette méthode peut être combinée à d’autres techniques, telles que le mélange et la superposition, pour obtenir un large éventail d’effets et de styles.

 

Techniques pour travailler l’encre : 

Dessin au trait
Cette technique utilise un stylo ou un pinceau pour créer des lignes fines afin de réaliser un dessin.

Lavis:

Cette technique utilise un pinceau et de l’encre pour créer une gamme de tons et de valeurs en variant la quantité d’encre et d’eau utilisée.

Gribouillage:
iI s’agit d’une technique de dessin au crayon ou au stylo dans laquelle l’artiste effectue de façon répétée des traits courts et aléatoires pour créer un effet de texture.

Hachurage:
C’est une méthode d’ombrage consistant à dessiner des lignes parallèles très rapprochées qui se croisent à des angles différents.

Pointillés:
Il s’agit d’une technique de dessin consistant à appliquer de petits points d’encre pour créer une gamme de tons.

Sumi-e:

Il s’agit d’une technique traditionnelle de peinture à l’encre chinoise et japonaise qui utilise de simples coups de pinceau pour créer une peinture.

Ce qu’il faut retenir : 

• De nombreux supports peuvent être utilisés pour le dessin, notamment le crayon, le fusain, le pastel, l’encre, le stylo, le feutre, le graphite et la craie.
• Les techniques de dessin les plus courantes sont les suivantes :
• Les hachures : lignes parallèles rapprochées pour créer de la profondeur et de la texture.
• Hachures croisées : deux séries de lignes parallèles tracées à angle droit pour créer de la profondeur et de la texture.
• Le pointillé : petits points utilisés pour créer une texture ou l’illusion de la profondeur.
• Estompage : le fusain est étalé ou mélangé avec les doigts ou un outil d’estompage pour adoucir les lignes et créer de la texture.
• Mélange : deux ou plusieurs couleurs de fusain sont mélangées pour créer une nouvelle couleur, de la profondeur, de la texture ou l’illusion d’ombres.
• Correction : le fusain est retiré d’une zone donnée à l’aide d’une gomme, ce qui permet de créer des reflets ou de corriger des erreurs.
• Le bâton de fusain est légèrement traîné sur la surface pour créer un effet de texture et d’éclatement.
• Superposition : différentes couleurs de pastels sont appliquées les unes sur les autres pour créer de la profondeur, de la texture, de la luminosité ou l’illusion d’ombres.
• Dessin au trait : un stylo ou un pinceau est utilisé pour créer de fines lignes afin de réaliser un dessin.
• Lavis : un pinceau et de l’encre sont utilisés pour créer une gamme de tons et de valeurs en variant la quantité d’encre et d’eau utilisée.
• Gribouillage : des traits courts et aléatoires sont répétés à l’aide d’un crayon ou d’un stylo pour créer un effet de texture.
• Sumi-e : technique traditionnelle de peinture à l’encre chinoise et japonaise qui utilise de simples coups de pinceau pour créer une peinture.
• Calligraphie à l’encre de Chine : un art ancien chinois et japonais qui utilise des pinceaux à encre pour créer des caractères calligraphiés et des peintures.

Exercices – Le dessin en art-thérapie

Matériel nécessaire :

• Feuilles de papier
• Instruments de dessin (stylo, crayon, feutre)

Exercice 1 : Dessiner avec la main non dominante 

1. Asseyez-vous dans une position confortable et prenez quelques respirations profondes pour vous détendre.
2. Tenez votre instrument de dessin dans votre main non dominante.
3. Fermez les yeux et respirez profondément pour faire le vide dans votre esprit.
4. Lorsque vous vous sentez prêt, ouvrez les yeux et commencez à dessiner ce qui vous vient à l’esprit. Ne vous souciez pas de la perfection ou de l’aspect du dessin. Laissez votre main non dominante guider le dessin.
5. Lorsque vous avez terminé, prenez quelques instants pour réfléchir à cette expérience. Avez-vous trouvé cela stimulant ou libérateur ?
6. En quoi était-ce différent de ce qui se passe lorsque vous dessinez avec votre main dominante ?

Exercice 2 : Dessiner les yeux fermés 

1. Asseyez-vous confortablement, fermez les yeux et respirez profondément pour faire le vide dans votre esprit et vous détendre.
2. Préparez votre papier et votre stylo pour dessiner.
3. Lorsque vous vous sentez prêt, commencez à dessiner ce qui vous vient à l’esprit, en gardant les yeux fermés. Ne vous souciez pas de la perfection ou de l’aspect du dessin. Laissez votre main guider le dessin.
4. Lorsque vous avez terminé, prenez quelques instants pour réfléchir à votre expérience. Avez-vous ressenti un lien avec le crayon lorsque vous l’avez déplacé sur la page ? 
5. En quoi était-ce différent de ce que vous faites lorsque vous dessinez les yeux ouverts ?

La sculpture

La sculpture peut être un outil intéressant en art-thérapie. En effet, la sculpture aide les clients à s’exprimer, à explorer leurs sentiments et leurs émotions, et à relever des défis. Elle permet également de se relaxer et de soulager le stress par le biais du processus créatif.

En général, le praticien peut guider le client tout au long du processus de création d’une sculpture en lui apportant soutien et encouragement si nécessaire. Le praticien peut également utiliser des techniques telles que la visualisation guidée ou les affirmations pour aider le client à concentrer son esprit et à puiser dans sa créativité.

Une fois la sculpture terminée, le praticien peut aider le client à explorer la signification et l’importance de l’œuvre. Il peut s’agir de discuter du processus de création de la sculpture, des matériaux utilisés et des sentiments ou pensées qui ont surgi au cours du processus. Le praticien peut également utiliser la sculpture comme un moyen d’explorer des thèmes ou des problématiques spécifiques de la vie du client.

Pour chaque support ci-dessous, suivez ces directives générales sur la façon de créer une sculpture :

• Créer une armature : une fois que vous avez un design qui vous convient, l’étape suivante consiste à créer une armature, ou cadre interne, pour soutenir la sculpture au fur et à mesure de sa construction. Cette armature est généralement faite de fil de fer ou de tiges métalliques et est façonnée pour correspondre à la forme de base de la sculpture.
• Construction de la sculpture : la sculpture est ensuite construite sur l’armature à l’aide d’argile ou d’un autre matériau, et des détails sont ajoutés pour compléter le design. 
• La sculpture est construite en couches successives, à l’aide d’outils de modelage tels que des couteaux, des outils de ruban, des outils de boucle et des spatules, chaque couche étant façonnée et sculptée pour correspondre au design final.
• Durcissement de la sculpture : une fois la sculpture terminée, elle peut être cuite ou coulée dans un moule pour la durcir. Cette étape est importante pour les sculptures qui seront exposées, car elle garantit que la sculpture conservera sa forme au fil du temps.

Médiums

Le processus de création d’une sculpture varie en fonction des matériaux et des techniques utilisés. Certains médiums, tels que la pierre, le métal et le verre, exigent des compétences solides en matière de manipulation du médium en question, qui doivent être apprises avant d’entrer dans le processus de création.

Voici les médiums les plus courants utilisés en sculpture en art-thérapie :

L’argile:

C’est une forme de sculpture populaire en art-thérapie, car c’est une matière polyvalente et malléable qui permet une large gamme d’expressions.

L’utilisation de l’argile comme médium en sculpture permet un large éventail de possibilités en termes de forme, de texture et d’expression. Les artistes peuvent créer des sculptures en façonnant, moulant et sculptant l’argile. Certains sculpteurs utilisent une armature, un cadre, pour construire et soutenir la sculpture en argile, surtout si la sculpture est de grande taille ou si l’artiste veut créer des formes plus complexes et articulées.

Une fois la sculpture terminée, elle peut être cuite dans un four pour la faire durcir et pour la préserver. Le processus de cuisson peut également modifier la couleur de l’argile, en fonction du type d’argile et de la température à laquelle elle est cuite. 

Voici quelques conseils pour créer une sculpture en argile :

1. Préparation de l’argile : l’argile doit être préparée avant d’être utilisée pour la sculpture. Cela implique généralement de caler l’argile (il s’agit de la pétrir) pour éliminer les bulles d’air et la rendre plus malléable.
2. Esquisse et planification : avant de commencer à travailler avec l’argile, l’artiste peut faire des croquis et des plans pour l’aider à visualiser la pièce finie.
3. Modelage : l’artiste commence ensuite à modeler l’argile à l’aide de ses mains, d’outils ou d’une combinaison des deux. Selon la technique utilisée, l’argile peut être modelée sur un tour de potier ou construite à l’aide de boudins d’argile assemblés, ou encore moulée sur une armature. Les artistes peuvent utiliser différents outils pour créer des textures et des détails sur la surface de la sculpture.
4. Séchage : une fois la sculpture terminée, elle devra sécher avant de pouvoir être cuite. Le processus de séchage peut prendre de quelques jours à plusieurs semaines, selon la taille et la complexité de la pièce.
5. Cuisson : une fois que la sculpture est sèche, elle sera cuite dans un four à haute température. Le type d’argile et la température à laquelle elle est cuite déterminent la couleur finale et la résistance de la pièce.
6. Finition : après la cuisson, la sculpture peut être poncée, polie ou émaillée pour créer une surface plus lisse et rehausser les couleurs. Certaines sculptures peuvent nécessiter plusieurs cuissons avec des glaçures ou d’autres traitements de surface.
7. Des fours sont disponibles dans les ateliers de poterie locaux.

Plâtre:
Un matériau blanc et poudreux qui durcit lorsqu’il est mélangé à l’eau. Il est souvent utilisé pour créer des moulages ou des moules. Le plâtre est un matériau populaire pour la sculpture car il est facile à travailler et peut être utilisé pour créer un large éventail de formes et de textures. C’est un matériau polyvalent qui peut être utilisé pour des sculptures de petite ou de grande taille, et qui peut être peint ou fini de diverses manières.

Voici quelques conseils pour créer une sculpture en plâtre :

1. Modelage : l’artiste crée un modèle de sa sculpture, généralement en utilisant de l’argile ou de la cire.
2. Fabrication du moule : un moule est réalisé à partir du modèle, généralement à l’aide de plâtre ou de caoutchouc de silicone. Le moule est utilisé pour créer plusieurs copies de la sculpture.
3. Moulage : le plâtre est mélangé à de l’eau et versé dans le moule. On laisse ensuite le plâtre prendre forme et durcir, généralement pendant quelques heures. Une fois que le plâtre a pris, le moule est retiré, révélant la sculpture.
4. Finition : la sculpture peut ensuite être poncée, peinte ou finie de diverses manières pour créer la surface souhaitée. Certaines sculptures sont laissées dans leur couleur blanche naturelle et d’autres peuvent être peintes ou patinées.

Fil de fer :

le fil métallique est un support commun et accessible utilisé en sculpture en raison de sa flexibilité et de sa malléabilité. Il peut être plié, tordu et façonné en une variété de formes et est souvent utilisé pour créer des sculptures délicates et complexes. La sculpture en fil de fer peut être réalisée à l’aide de divers matériaux, dont le cuivre, l’acier et l’aluminium, et peut être finie à l’aide de diverses techniques, comme la peinture, la patine ou l’électroplacage. Certains artistes utilisent le fil métallique pour créer des sculptures représentatives, tandis que d’autres l’utilisent pour créer des pièces abstraites ou conceptuelles. La taille des sculptures en fil métallique peut aller de petites pièces délicates à de grandes œuvres monumentales.

Voici quelques conseils pour créer une sculpture en fil de fer :

1. Rassemblez les matériaux : vous aurez besoin de fil métallique (cuivre, aluminium ou acier), de quelques pinces, de coupe-fils et d’une surface stable pour travailler.
2. Planifiez votre conception : avant de commencer à sculpter, esquissez une idée approximative de ce à quoi vous voulez que votre sculpture ressemble. Cela vous donnera une idée générale de la forme et de la taille de la sculpture.
3. Pliez le fil : utilisez les pinces pour plier le fil à la forme générale de votre sculpture. Ce sera la base de votre sculpture.
4. Ajoutez des détails : utilisez les pinces pour ajouter des détails et de la texture à la sculpture. Il peut s’agir de donner au fil des formes spécifiques, de l’enrouler ou de créer un motif particulier.
5. Coupez le fil : utilisez la pince coupante pour réaliser des coupes et des formes précises. Il peut s’agir de couper l’excédent de fil, ou de tailler des sections spécifiques pour créer un aspect plus précis.
6. Assemblez : assemblez les différentes pièces de la sculpture à l’aide de pinces pour les tordre, les plier et les façonner selon la forme souhaitée.
7. Touches finales : une fois que vous êtes satisfait de la forme générale de votre sculpture, vous pouvez ajouter les dernières touches ou les derniers détails pour la rendre plus soignée et complète.

Papier:

Une sculpture en papier est une œuvre d’art créée en façonnant et en assemblant du papier dans la forme souhaitée. Le papier peut être coupé, plié et collé pour créer différentes formes, textures et effets. Il existe une variété de types de papier qui peuvent être utilisés pour les sculptures en papier, y compris le papier de construction, le papier cartonné, le papier d’origami et autres. La sculpture peut être décorée avec de la peinture, des feutres ou d’autres éléments décoratifs.

Les sculptures en papier peuvent varier en taille et en complexité, de petites et simples à grandes et complexes. Elles peuvent être exposées sur un support ou dans un cadre, selon la taille et le style de la sculpture.

Voici quelques conseils pour créer une sculpture en papier :

1. Rassemblez les matériaux : vous aurez besoin de papier (comme du papier de construction, du papier cartonné ou du papier origami), de ciseaux, de colle et de tout autre matériel que vous souhaitez utiliser pour votre sculpture (comme de la peinture, des feutres ou d’autres éléments décoratifs).
2. Planifiez votre conception : avant de commencer à sculpter, esquissez une idée approximative de ce à quoi vous voulez que votre sculpture ressemble. Cela vous donnera une idée générale de la forme et de la taille de la sculpture.
3. Découpez le papier : utilisez les ciseaux pour découper le papier dans les formes et les tailles que vous utiliserez pour construire votre sculpture. Vous pouvez utiliser différentes techniques de découpe, comme des coupes droites, des coupes courbes ou des franges, pour créer différents effets.
4. Assemblez la sculpture : utilisez de la colle pour assembler le papier découpé à la forme souhaitée de votre sculpture. Vous pouvez également utiliser d’autres techniques telles que le pliage, le roulage ou la superposition du papier pour créer différents effets.
5. Ajoutez des détails : une fois que la forme de base de votre sculpture est en place, vous pouvez utiliser de la peinture, des feutres ou d’autres objets décoratifs pour ajouter des détails et de la texture à votre sculpture.
6. Laissez sécher : laissez la colle sécher complètement avant de manipuler votre sculpture.
7. Dernières touches : une fois que la sculpture est sèche et stable, vous pouvez ajouter les dernières touches ou détails pour la rendre plus soignée et complète.

Techniques

Voici quelques techniques typiques de sculpture utilisées en art-thérapie :

Techniques pour travailler l’argile : 

Avec les mains
Utilisez vos mains et des outils simples pour façonner et modeler l’argile dans la forme souhaitée.

La sculpture par ajout d’argile
Consiste à construire la sculpture en ajoutant des boudins d’argile, un par un, puis en lissant la surface avec un outil. Cette technique est utilisée pour créer une variété de formes, comme des bols, des jarres et des vases, ainsi que des figures, des animaux et même des formes abstraites.

Technique de la plaque:

Couper l’argile en plaques plates, puis les assembler pour créer la forme souhaitée.

Moulage:

Utiliser un moule de la forme souhaitée, puis couler l’argile dans le moule.

Modelage:

Le modelage est utilisé pour façonner et former un matériau en un objet ou une structure tridimensionnelle. Il se fait généralement à l’aide d’un matériau mou et malléable comme l’argile ou la cire.

L’empâtement:
Comme nous l’avons détaillé dans la partie du module sur les techniques de peinture, l’empâtement implique la superposition de couches. En sculpture, l’empâtement peut être réalisé en superposant des matériaux tels que l’argile ou le plâtre pour créer une surface texturée.

Coulage:

Faire un moule d’un objet et le couler ensuite dans un matériau différent, comme le plâtre ou la résine.

Armature:

Utiliser un fil métallique comme structure de base et former l’argile ou d’autres matériaux malléables autour de la forme pour céer une sculpture.

Techniques pour travailler le plâtre :

Voir ci-dessus les techniques de plâtre qui sont typiques de l’argile, notamment le moulage, le modelage, l’empâtement, le coulage et l’empâtement.

Coulage en barbotine:
Verser du plâtre liquide dans un moule en plâtre, le laisser prendre, puis retirer la sculpture du moule.

Techniques pour travailler le fil de fer : 

Plier et tordre le fil :
Utiliser une pince pour plier et tordre le fil dans la forme souhaitée.

Enrouler le fil:
Enrouler le fil autour d’une forme ou d’une structure pour créer la forme souhaitée.

Souder le fil :
Utiliser un fer à souder pour fusionner des morceaux de fil afin de créer une structure plus solide.

Nouer le fil :
Faire des nœuds dans le fil pour créer une forme plus naturelle et fluide.

Perlage :
Ajout de perles ou d’autres éléments décoratifs à la sculpture en fil de fer.

Techniques pour travailler le papier : 

Papier-mâché:

Une technique où le papier est enduit d’un mélange de colle et d’eau pour créer une sculpture solide.

Découpage :

Utilisation de ciseaux ou d’un couteau de bricolage pour découper un motif dans du papier, puis superposition ou façonnage des morceaux découpés pour créer une sculpture tridimensionnelle.

Quilling:

Rouler de fines bandes de papier en différentes formes, puis les coller ensemble pour créer une sculpture.

Sculpture de livre:

Utilisation des pages d’un livre pour créer une sculpture, souvent en pliant, coupant ou déchirant les pages.

Origami:

L’art traditionnel japonais du pliage du papier, qui peut être utilisé pour créer un large éventail de formes.

Kirigami:

Similaire à l’origami, mais implique également le découpage du papier.

Ce qu’il faut retenir : 

• La sculpture est une technique d’art-thérapie qui consiste à créer des objets ou des structures en trois dimensions.
• Les supports couramment utilisés en sculpture sont l’argile, le fil de fer, le papier et le plâtre.
• Les techniques utilisées en art-thérapie pour la sculpture peuvent inclure le modelage, le moulage et l’assemblage.
• Le praticien peut guider le client tout au long du processus de création d’une sculpture et peut utiliser des techniques telles que la visualisation guidée ou les affirmations pour aider le client à concentrer son esprit et à puiser dans sa créativité.

Exercices – La sculpture en art-thérapie

Matériel nécessaire :

• Argile ou pâte à modeler 
• Quelques cintres métalliques de différentes couleurs si vous en avez
• Outils de sculpture et autres outils pouvant être utilisés pour façonner l’argile et la pâte à modeler.
• Pince coupante et pinces
• Des gants si nécessaire

Exercice 1 : Sculpter avec de l’argile

1. Asseyez-vous confortablement et prenez quelques respirations profondes pour vous détendre.
2. Commencez à travailler l’argile, en utilisant vos mains ou les outils de sculpture pour lui donner la forme que vous souhaitez. Il n’y a pas d’instructions ou de directives spécifiques pour cet exercice : laissez-vous simplement aller à l’exploration de l’argile et voyez ce que vous pouvez créer.
3. Pendant que vous travaillez, prenez quelques instants pour réfléchir à votre expérience.

1. Quels sentiments ou pensées vous viennent à l’esprit pendant que vous sculptez ? 
2. Quelle est la sensation de l’argile dans vos mains ? 
3. Quelles sont les formes que vous manifestez ? 
4. Que ressentez-vous en sculptant ?

Exercice 2 : Sculpter avec du fil de fer

1. Vous pouvez utiliser les pinces coupantes pour ouvrir les cintres ou commencer l’exercice avec les cintres tels quels, en les coupant selon vos besoins.
2. Utilisez les pinces pour plier et former le premier cintre de manière à ce qu’il prenne place sur la table.
3. Ajoutez les autres cintres et morceaux de fil de fer à la forme existante. 
4. Construisez aussi haut ou aussi large que vous le souhaitez. Vous pouvez fixer les morceaux de fil de fer ensemble comme vous le souhaitez.
5. À quoi ressemble la forme finale ? S’agit-il d’une œuvre d’art selon vous ?
6. En quoi considérez-vous qu’il s’agit d’une représentation de votre expression artistique ?

Collage

Le collage est une méthode de création d’une œuvre d’art qui consiste à combiner différents matériaux, tels que du papier, du tissu et des photographies, sur une surface, comme une toile ou du papier. Expérimentez à l’aide de différents supports et matériaux pour raconter votre histoire. Le collage permet de créer des compositions complexes et superposées, car plusieurs matériaux peuvent être utilisés pour créer de la profondeur et de la texture.

Le collage peut être créé en découpant et en déchirant des matériaux en différentes formes et tailles et en les arrangeant sur la surface. Des adhésifs, tels que de la colle ou du ruban adhésif, peuvent être utilisés pour maintenir les matériaux en place. Il peut s’agir d’un processus spontané et intuitif, qui se prête bien à l’expression artistique thérapeutique. Il peut s’agir d’une façon amusante et expressive de créer de l’art et peut être un moyen efficace d’explorer des idées et des émotions.

Voici quelques directives générales pour créer une œuvre d’art en collage :

• Rassemblez des matériaux tels que des ciseaux, de la colle et divers éléments que vous prévoyez d’inclure dans la création.
• Créez une composition en disposant et en réorganisant les matériaux sur une surface sans les coller, jusqu’à ce que vous soyez satisfait de l’apparence globale.
• Une fois que vous avez une composition qui vous plaît, commencez à coller les matériaux sur la surface.
• Vous pouvez également utiliser différentes techniques comme la superposition, le chevauchement et la création de texture pour ajouter de la profondeur et de l’intérêt à votre collage.
• Le collage est très créatif, sans règles spécifiques. Vous pouvez expérimenter avec différents matériaux et techniques pour réaliser une création unique et personnelle. Et vous pouvez combiner les médiums comme bon vous semble pour créer des pièces très expressives.

Médiums

Il n’y a littéralement aucune limite quant aux matériaux pouvant être utilisés dans un collage. Voici les matériaux les plus utilisés :

Le papier : le processus de découpage, d’arrangement et de collage du papier peut aider les individus à s’exprimer et à traiter leurs émotions. Utilisez une variété de matériaux en papier tels que des journaux, des coupures de magazines, du papier de construction, du papier de soie et des pages de livres. Ce type de papier est généralement plat, mince et peut être facilement découpé en différentes formes et tailles. Il est souvent utilisé pour créer un collage visuellement intéressant et texturé en superposant, chevauchant et créant de la texture. Le papier peut également se décliner en différents grammages, couleurs et motifs qui peuvent être utilisés pour créer un collage avec un effet visuel intéressant.

Pendant que le client découpe et arrange le papier, encouragez-le à laisser ses émotions guider ses choix. L’acte de découper et d’arranger le papier peut être une forme de libération des émotions, et le produit final peut représenter leur état émotionnel actuel.

Utilisez d’autres matériaux tels que de la peinture, des feutres ou d’autres éléments de collage pour améliorer votre création. Essayez d’utiliser différents types de papier, comme le papier brillant, le papier mat ou le papier texturé, pour ajouter de l’intérêt visuel et de la profondeur à votre collage. Incorporez des objets trouvés ou d’autres matériaux, tels que du fil, du ruban ou du tissu, dans votre collage pour ajouter de la texture et de la profondeur. 

Voici quelques indications pour créer un collage avec du papier :

1. Rassemblez une variété de matériaux en papier tels que des journaux, des coupures de magazines, du papier de construction, du papier de soie et des pages de livres. 
2. Sélectionnez les morceaux papiers que vous voulez et commencez à les découper en différentes formes et tailles. Vous pouvez utiliser des ciseaux, un couteau de bricolage ou un coupe-papier.
3. Une fois que vous avez une variété de morceaux de papier découpés, commencez à les arranger sur votre surface pour créer une composition. Essayez différents arrangements jusqu’à ce que vous soyez satisfait de la conception globale.
4. Une fois que vous avez une composition qui vous plaît, commencez à coller les morceaux de papier sur la surface. Vous pouvez utiliser un bâton de colle, de la colle blanche ou un autre type de colle.
5. Créez de l’intérêt visuel et de la texture en utilisant des morceaux de papier de poids différents, couleurs, motifs et en utilisant des techniques comme la superposition et le chevauchement.

Le tissu : l’utilisation de tissu dans un collage peut offrir une expérience tactile différente de celle du papier, et peut également avoir une signification personnelle pour l’individu. Le tissu, comme les chutes de vêtements, les vieux draps ou autres textiles, est généralement plus épais et plus texturé que le papier. Il peut être découpé en différentes formes, mais il peut être plus difficile à découper que le papier. Les collages en tissu peuvent avoir une sensation plus douce et plus naturelle que les collages en papier. Le tissu peut également se décliner en tissus de poids différents, couleurs et motifs, qui peuvent être utilisés pour créer un collage avec un effet visuel intéressant.

Voici quelques indications sur la façon de créer un collage en tissu :

1. Le processus est presque identique à celui de la création d’un collage en papier.
2. Vous aurez peut-être besoin d’utiliser des outils de coupe plus conséquents, comme des ciseaux à tissu spéciaux.
3. Essayez avec différents types de tissus, comme le coton, la soie ou la toile de jute, pour ajouter de l’intérêt visuel et de la profondeur à votre collage.
4. Coupez le tissu en différentes formes géométriques, superposez différentes textures et des morceaux de tissu de poids différents, puis pliez, drapez et froissez le tissu pour créer de l’intérêt visuel et une sensation de mouvement, de dimension et de profondeur.
5. Essayez d’utiliser une palette de couleurs limitée ou différentes nuances et teintes d’une même couleur pour créer une composition cohérente et harmonieuse.
6. Incorporez des objets trouvés ou d’autres matériaux, comme du fil, du ruban ou du papier, dans votre collage pour ajouter de l’intérêt visuel et de la profondeur.
7. Utilisez du tissu avec des motifs, des imprimés ou des broderies pour ajouter de l’intérêt visuel et de la profondeur à votre collage.

Les photos : un collage de photos consiste en de multiples photos disposées ensemble de manière créative et visuellement intéressante. C’est un support créatif qui vous permet de jouer avec différents éléments pour transmettre un message de manière unique. Les photos peuvent être personnelles ou non, et peuvent être utilisées pour créer un collage au contenu personnel et émotionnel qui peut servir à raconter une histoire visuelle, à capturer des souvenirs ou à exprimer des émotions à propos de personnes et de choses qui ont une signification particulière pour la personne qui crée le collage. 

Voici quelques lignes directrices pour créer un collage de photos :

1. Le processus est presque identique à celui de la création d’un collage sur papier et, à certains égards, plus proche de celui des autres médiums.
2. Considérez l’histoire que vous aimeriez raconter et arrangez et séquencez la mise en page pour créer le récit. Cela peut inclure :

1. La chronologie : la date et l’heure.
2. La géographie : lieux, villes, pays.
3. Des événements : vacances, anniversaires… 
4. Des personnes : une personne ou plusieurs personnes.
5. Des choses diverses : voitures, maisons, animaux domestiques…

3. La mise en page et le flux d’images peuvent également être totalement aléatoires et éclectiques.

Les objets : de petits objets tels que des coquillages, des boutons, des pièces de monnaie ou même des figurines miniatures peuvent être intégrés à l’œuvre d’art.

Voici quelques conseils pour créer un collage réussi à partir de petits objets :

1. Choisissez un thème : choisissez un thème pour votre collage qui reliera tous les objets entre eux. Il peut s’agir d’un schéma de couleurs, d’un sujet ou d’un style particulier.
2. Rassemblez tous les petits objets que vous souhaitez inclure dans votre collage.
3. Ajoutez un arrière-plan : il y aura probablement des espaces vides entre les objets, alors pensez à ajouter un fond sur la surface de votre collage pour harmoniser le tout. Il peut s’agir d’une couleur unie, d’un papier à motifs, d’une photographie ou d’autres matériaux, notamment du tissu ou même du sable.
4. Planifiez la mise en page de votre collage : vous pouvez utiliser du papier millimétré pour créer un croquis de la composition.
5. Utilisez des textures et des tailles différentes : pour créer un intérêt visuel, essayez d’utiliser une variété de textures et de tailles dans votre collage. Vous pouvez y parvenir en mélangeant différents types de matériaux tels que le verre, le métal, le bois et le tissu, ou en utilisant des objets de différentes tailles.
6. Créez un point focal : décidez d’un point central pour votre collage et disposez les objets autour de celui-ci. Il peut s’agir de l’objet le plus grand ou de l’objet le plus original de votre collection.
7. Utilisez une colle adaptée : utilisez une colle spécialement conçue pour la nature de l’objet. Ainsi, les objets resteront bien en place et ne seront pas endommagés.
8. Utilisez différentes techniques : déchirer, effilocher ou détériorer du tissu pour ajouter de la texture et de la profondeur à votre collage.

Techniques :

Voici quelques techniques classiques pour créer un collage :

Couper et coller : il s’agit de la technique la plus basique pour créer un collage. Elle consiste à découper des images ou d’autres matériaux, puis à les coller sur un fond pour créer une nouvelle composition.

Papier déchiré : cette technique consiste à déchirer les bords du papier ou d’autres matériaux pour créer un aspect plus naturel.

Effilochage : éffilochez intentionnellement les bords du tissu pour obtenir un aspect shabby-chic ou vieilli. Ou bien, laissez les bords du tissu bruts, et laissez-les s’effilocher naturellement au fil du temps. Cela peut créer de la texture et de la dimension pour un aspect naturel intéressant dans le collage.

Assemblage : cette technique consiste à utiliser des objets tridimensionnels dans le collage, comme des objets trouvés ou de petites sculptures.

• Assemblage : une œuvre tridimensionnelle est créée en combinant et en y attachant des objets ou des matériaux trouvés. Ces objets peuvent être n’importe lesquels, y compris des objets quotidiens comme des bouchons de bouteille, des clés ou des boutons, ainsi que des matériaux plus inhabituels comme de vieux jouets, des pièces détachés ou même des meubles mis au rebut. C’est également un moyen de recycler et de réutiliser des matériaux qui auraient autrement été jetés, en leur donnant une nouvelle vie et une nouvelle utilité.

Ce qu’il faut retenir : 

• L’art-thérapie peut être pratiquée à travers une variété de médiums, tels que la peinture, le dessin, la sculpture et le collage. Chaque médium offre une variété de supports et cette variété fait appel à plusieurs expressions créatives.
• La plupart des médiums peuvent être utilisés dans le cadre d’une thérapie individuelle ou de groupe et peuvent être utiles pour tous les âges et tous les milieux. Dans certaines situations, des compétences, des connaissances et des soins spécialisés sont nécessaires et peuvent ne pas convenir à certaines personnes.
• Une fois l’œuvre d’art terminée, le praticien peut aider le client à explorer le sens et la signification de l’œuvre.
• L’art-thérapie fait appel à diverses techniques et approches qui peuvent être appliquées à de multiples supports.
• Le guide général de la création artistique comprend le choix d’un sujet ou d’un thème, l’esquisse, la sélection du matériel, la création d’une composition de base, le développement de la composition, l’expérimentation de techniques, les pauses et le séchage de l’œuvre d’art.
• L’art libre permet aux individus de créer sans instructions ou conseils spécifiques.
• La visualisation guidée associe l’art-thérapie à des pratiques de pleine conscience et de relaxation, et peut aider les individus à accéder à leurs pensées et sentiments intérieurs.
• Le symbolisme peut être un outil puissant en art-thérapie, permettant aux clients d’exprimer leurs pensées, leurs sentiments et leurs expériences d’une manière qui n’est pas toujours possible avec des mots.
• La signification des symboles peut varier d’une personne à l’autre et peut être influencée par des expériences culturelles et personnelles.
• Encourager l’utilisation de la couleur peut aider les clients à relier la couleur à leur signification personnelle et leur donner une vision profonde.
• Les praticiens de l’art-thérapie peuvent guider les clients tout au long du processus de création, encourager la réflexion et adapter les techniques en fonction des besoins et des préférences de l’individu.
• La sculpture est une technique d’art-thérapie qui consiste à créer des objets ou des structures en trois dimensions.
• Les supports couramment utilisés en sculpture sont l’argile, le fil de fer, le papier et le plâtre.
• Les techniques utilisées dans l’art-thérapie pour la sculpture peuvent inclure le modelage, le moulage et l’assemblage.
• Le praticien peut guider le client tout au long du processus de création d’une sculpture et peut utiliser des techniques telles que la visualisation guidée ou les affirmations pour aider le client à concentrer son esprit et à puiser dans sa créativité.
• Le collage est une méthode de création artistique qui consiste à combiner différents matériaux sur une surface. Il n’y a pas de limite quant aux matériaux pouvant être utilisés dans un collage. Les matériaux les plus courants sont le papier, le tissu, les photos et les objets trouvés.
• Le collage permet de créer des compositions complexes et superposées, car plusieurs matériaux peuvent être utilisés pour créer de la profondeur et de la texture.
• Les techniques qui peuvent être utilisées lors de la création d’un collage sont, entre autres, le découpage et le collage, le papier déchiré et l’assemblage.
• Le collage peut être un processus spontané et intuitif et convient bien à l’expression artistique thérapeutique.

Exercices – Collage en art-thérapie

Matériel nécessaire :

• Rassemblez une variété de matériaux qui représentent différents aspects de votre identité, de vos émotions, de vos rêves et de vos aspirations, comme des coupures de magazines, des photographies et des objets.
• Des feuilles de papier de couleur ou de papier blanc que vous peindrez au besoin.
• Des feuilles de papier épais ou de carton pour la base de votre collage.
• Des ciseaux, de la colle et de la peinture.

Exercice 1 : Collage de soi 

1. Préparez la feuille cartonnée en la peignant entièrement comme vous le souhaitez. Il s’agit simplement de préparer le fond de votre travail, ne passez pas trop de temps sur cette étape.
2. Sélectionnez quelques matériaux que vous avez collectés pour commencer votre collage ; ne vous inquiétez pas, vous pourrez en ajouter plus tard.
3. Commencez à placer les différents éléments sur le tableau de la manière que vous souhaitez. Utilisez de la colle si nécessaire. Coupez et façonnez les éléments comme vous le sentez. 
4. Essayez de choisir des matériaux qui ont une résonance positive en vous.
5. Lorsque vous êtes satisfait de votre création, asseyez-vous et réfléchissez sur ce qui s’est manifesté durant le processus. 
6. Pouvez-vous retracer des sentiments, des thèmes, des souvenirs, des symboles, des personnes ou des lieux ? Reconnaissez-vous des éléments de votre vie ?

Exercice 2 : Collage de rêves et d’aspirations

1. Reprenez les étapes 1 à 5 ci-dessus, mais cette fois-ci, choisissez des matériaux qui reflètent vos intérêts, vos objectifs de vie et vos aspirations.
2. Que voyez-vous ? Y a-t-il une cohérence dans votre création ? Pouvez-vous discerner une évolution personnelle, le succès, le bonheur ?